Arte como lugar de criação, investigação e pensamento crítico

O Laboratório do Atlântico apresenta-se pela segunda vez no LAC – Laboratório de Actividades Criativas1, sediado em Lagos, com a exposição «Laboratório do Atlântico», onde além de permitir revisitar um encontro entre laboratórios podemos conhecer a obra de artistas que se cruzam com São Tomé e Príncipe como território de criação, memória e reflexão. Esta exposição decorre até 25 de julho de 2026.

A exposição que tem como curadores João Carlos Silva e Ricardo Barbosa Vicente reúne artistas de São Tomé e Príncipe, como Olavo Amado, Adilson Castro, Emerson Quinda, Eduardo Malé, Kwame Sousa, Preta, Pascoal Vilhete e Conceição Lima, em diálogo com artistas de outros contextos que têm vindo a trabalhar a partir de São Tomé, das suas histórias, paisagens e relações atlânticas, como Mariana Maia Rocha, Beatriz Vilhena, Beatriz Neto, Daniel Blaufuks, Amadeo Carvalho, Mafalda Santos, Ves Tres – Maria Matias, Ana Malta, Madalena Pequito, Inês Gonçalves e Jacqueline de Montaigne.

A exposição reúne práticas artísticas muito diversas, desde pintura, desenho, fotografia, instalação, esculturo, vídeo, palavra e performance, permitindo «mostrar a sua capilaridade cultural, a forma como o arquipélago se prolonga para lá das suas fronteiras, através dos seus artistas, das suas diásporas, das suas relações com outros territórios e daqueles que por lá passaram, investigaram, criaram ou estabeleceram vínculos duradouros.», segundo o texto de sala da exposição.

O texto refere ainda que «há obras que convocam a memória das roças e da economia do cacau; outras que trabalham a paisagem como arquivo vivo; outras ainda que se aproximam do corpo, da espiritualidade, da oralidade, da migração, da infância, da ruína ou da permanência dos gestos comunitários. O arquipélago aparece, assim, como matéria histórica e afetiva, mas também como lugar de produção contemporânea, onde a experiência insular não significa isolamento, mas relação.»

O termo «laboratório» utilizado no título da exposição, não é aqui usado de forma inocente. «Remete, por um lado, para a história colonial das ilhas enquanto território onde se ensaiaram modelos económicos, sociais e raciais profundamente violentos. Mas é também recuperado no presente como lugar de criação, investigação e pensamento crítico», segundo o mesmo texto.

Registamos, uma vez mais, uma excelente proposta na programação da Casa da Avenida2 em Setúbal, com a exposição «Meio-Meio» dos artistas Isabel Aboim Inglez e Rui Horta Pereira, que integra diversas peças de arte inéditas em fotografias, desenhos e escultura. A exposição vai estar disponível ao público até 19 de julho.

Acerca do percurso de Isabel Aboim Inglez (1971), podemos assinalar que tem vindo a desenvolver o seu próprio trabalho criativo na área da realização cinematográfica (ficção e animação), direção de fotografia, conceção e criação de iluminação para teatro, fotografia e ilustração. Na área da fotografia destaca-se o envolvimento da artista Isabel Aboim Inglez no projeto «Hiato», um projeto comunitário no Bairro das Colónias, em Lisboa, que teve o apoio dos comerciantes e por isso «foram colocadas imagens de grande formato nas montras», segundo a artista.

Rui Horta Pereira (1975), desde 2000 que tem vindo a centrar o seu trabalho e pesquisa sobretudo na escultura e no desenho e de como a construção do processo criativo não está desassociada da ação do criador, em todos os seus aspetos - sejam éticos, sociais, ambientais - bem como essa relação pode concretizar-se de forma eficaz. «O meu trabalho criativo é indissociável do processo e da experiência. Concebo-o como um elemento de mediação, elemento privilegiado de ligação ao quotidiano, à ciência, à educação. Encaro-o como um poema automático ao qual escapa o sentido, que acolhe, ingenuidades, convicções, desejos, informações diversas, que procura explicações na mesma medida que procura explicar-se.», segundo palavras do artista.

A Clarabóia, projeto de programação cultural da Casa do Professor3 em Braga, apresenta a exposição «A arte deve perturbar, deve dizer algo sobre a nossa realidade» do artista Vitor José Vieira, que poderá ser visitada até 31 de julho de 2026.

O texto apresentado na exposição assinala que Vieira é «um artista cuja prática incorpora a rutura, a expressão e a urgência da reflexão», acrescentando ainda que no seu trabalho de criação combina «um rigoroso fundamento técnico com uma busca inquieta por novas linguagens de expressão, abordando frequentemente temas como o conflito, a memória e a fragilidade da existência humana. Workshops de expressão artística moldaram ainda mais a sua abordagem, ancorando as suas criações tanto na investigação académica como na experiência vivida. Para Vieira, a arte não é um objeto decorativo, mas uma perturbação — um apelo para confrontar a realidade, resistir à complacência e questionar as narrativas que herdamos. Através da técnica mista e do expressionismo gestual, insiste no poder da pintura para inquietar e despertar.», segundo texto publicado no livro 100 artists of Europe da Culturale Lab.

A imagem da pintura de Vieira, que publicamos neste artigo e que está presente na exposição, sem deixar de nos inquietar, pelos momentos conturbados que vivemos atualmente, remete-nos para «um dos capítulos mais sombrios da história europeia: a Guerra Civil Espanhola (1936–1939). Vieira sobrepõe técnica mista com intensidade crua – fluidos mecânicos, acrílico, carvão e pastel – sobre a tela, criando uma superfície que parece fraturada e erodida. Uma forma negra expande-se por uma paisagem chamuscada e dilacerada, evocando o calor abrasador da Catalunha, o último bastião de resistência. A própria textura parece degradada, como se a tela estivesse a colapsar sob o peso da memória, espelhando a decadência, a perda e a morte. As crianças, vítimas ao longo de gerações, persistem como uma presença invisível na obra – o seu trauma ecoando para o futuro. Expressionista e sem concessões, a pintura recusa o previsível; em vez disso, perturba, choca e força a reflexão sobre como a guerra se imprime não apenas no presente, mas também naqueles que ainda estão por vir.», tendo também como fonte, o texto já referido no parágrafo anterior.

«So Many Names» é um projecto de Luísa Jacinto que «articula as ideias de leitura, paisagem, e corpo para sugerir diversas formas de experiência possível da pintura». Vai estar em exposição na Fundação Carmona e Costa4 em Lisboa e pode ser visitado até 25 de julho de 2026.

Como ponto de partida, o texto da exposição, assinala que esta exposição com curadoria de Miguel Mesquita, foi pensado como um objeto instalativo, entendido «não apenas como imagem, mas como substância que se desenrola e expande no espaço e no tempo.».

«Gosto de pensar a pintura e a leitura como coisas muito próximas, algo semelhantes. Ler o mundo como uma grande pintura, ler com o corpo todo. A visualidade como uma escrita a decifrar, o movimento do observador como leitura e também como escrita», nas palavras da artista Luísa Jacinto.

«So Many Names» é um projeto que compreende várias exposições, duas tendo já decorrido no Córtex Frontal, em Arraiolos, em junho de 2025, e no Museu Francisco Tavares Proença Júnior, em Castelo Branco, em novembro passado. A artista revela que a peça mantém a memória física do primeiro espaço em que foi exposta, ou seja, em Arraiolos, podendo também vir a «sofrer alterações, desde que mantenha memórias das apresentações anteriores.»

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   LAC – Largo Convento Sra. da Glória, 8600-660 Lagos. Horário: segunda a sábado, das 10h às 13h e das 14h às 18h

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  Casa da Avenida – Avenida Luísa Todi, 286 2900 Setúbal. Horário: quarta-feira e domingo, das 15h às 19h

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  Casa do Professor – Avenida Central, 106-110 Braga. Horário: segunda a sábado, das 10h às 18h

• 4

  Fundação Carmona e Costa, Rua Soeiro Pereira Gomes, Lote 1, Lisboa. Horário: quarta a sábado, das 15h às 19h